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China / 春节

2012-01-27T11:30:00.002-05:00

Nuevo Año Lunar Chino 2012

La Quiebra de Kodak

2012-01-26T09:02:00.004-05:00

Kodak, la caída del gigante de la fotografía

Kodak acordó pagar US$75 millones durante 20 años para tener su nombre en el teatro y recuperar el esplendor de su imagen. Sin embargo, su situación se recrudece y se venderán los derechos a otra empresa.

Sus cámaras y películas han captado el nacimiento de tres siglos, los rincones de conflictos armados y el vertiginoso avance de la tecnología que ahora podría firmar su epitafio. Kodak, el gigante de la fotografía de 131 años, está al borde la quiebra.

Las acciones de Eastman Kodak cayeron 18 centavos de dólar a un mínimo de 47 centavos, una caída del 28% que presagia lo peor para la centenaria compañía. La dramática situación de la empresa que sentó las bases de la fotografía con la invención del carrete en 1888, se acentuó después de que The Wall Street Journal publicara un informe que señala que Kodak se está preparando para acogerse al Capítulo 11 del Código de Bancarrota de EE.UU.

Después del liderar el mercado durante un siglo, la empresa comenzó a ser rebasada por firmas nuevas que se adaptaron más rápidamente a la fotografía digital. Y a pesar de que Kodak transformó sus productos y abrió nuevos mercados en sectores como la salud (la compañía elabora la mayoría de las películas para imágenes médicas), la alarma saltó el año pasado cuando sus directivos anunciaron que necesitaban recaudar US$500 millones para seguir operando en 2012.

La construcción de una leyenda
Después de que George Eastman inventara la palabra Kodak, una adaptación del sonido que producía su primera cámara, la empresa comenzó a crecer rápidamente al punto de ser conocida como El gigante amarillo.

Su evolución iba al ritmo del siglo XX: en 1900 presentó su primera cámara hecha de metal, la Folding Pocket, al precio de US$1; en 1957 la Brownie Star, una minicámara pionera de las digitales de la actualidad y la emblemática Instamatic de la que se vendieron más de 50 millones de unidades. Luego llegó la fotografía digital. La empresa se iba transformando pero la competencia era cada vez más feroz.

En el 2005 Kodak anunció que dejaba de fabricar película en blanco y negro y en 2009 hizo lo propio con su película en color más famosa, la Kodachrome, tras 74 años de producción. La situación se agravó el año pasado. En el tercer trimestre de 2011 la compañía reportó una pérdida de US$222 millones, su novena caída trimestral en los últimos tres años.

Estrategias de supervivencia
Kodak, con cerca de 25.000 empleados, ha tratado de ahuyentar el fantasma de la bancarrota vendiendo alrededor de 1.100 patentes, aproximadamente el 10% de su portafolio. Así mismo negocia con los bancos un préstamo de US$1.000 millones para mantenerla a flote cuando se acoja al Capítulo 11 de Bancarrota, señala The Wall Street Journal.

Analistas económicos creen que la clave para la supervivencia del gigante es que la compañía logre encontrar un comprador para sus patentes, valoradas entre US$2.000 millones y US$3.000 millones. La firma, subraya, que a pesar de los malos tiempos hay productos que han crecido hasta un 44% en ventas como su gama de impresoras o en escáneres para hospitales.

La crisis económica de la empresa, no obstante, es evidente. La organización de los premios Oscar que, durante la última década se han entregado en el Teatro Kodak de Los Ángeles, estudia abandonar el recinto en 2013 por los problemas de la empresa.

Noticia vista en:
http://lamula.pe/2012/01/03/erase-una-vez-una-gigante-de-la-fotografia-que-no-pudo-con-la-tecnologia/sophimania

Roberto Huarcaya / Peddlers

2012-01-25T11:30:00.003-05:00

Peddlers (Ambulantes) A series of images-portraits of men, women and children, who earn a living in Miraflores streets doing different activities.

Around each image, as a frame to the picture, the photographer's hand written text depicts, in third person, the experience of the person in the picture.

This work dates from 1991

Más fotos en su Portafolio

Premio Unión Latina de Fotografía 2012

2012-01-24T08:53:00.003-05:00

Creado en 2002 y abierto a todos los países miembros de la Organización, el Premio Unión Latina-Martín Chambi de fotografía, cuya meta es la promoción de la creación de los fotógrafos latinos, se renueva. En coherencia con la reflexión de la Unión Latina sobre la interculturalidad, el Premio tiene por tema este año la representación de la familia de hoy.

El continuo cruce de culturas dibuja nuevos paisajes humanos que el universo familiar tiene la capacidad de reflejar. Relatar esos paisajes a través del lenguaje fotográfico, esbozar el mundo contemporáneo, su revolución, su porvenir, este es el desafío lanzado a los fotógrafos y a su talento.

Fiel a su política cultural y poniendo su atención en las expresiones contemporáneas de la interculturalidad, la Unión Latina renueva su Premio Martín Chambi de la fotografía proponiendo a los artistas fotógrafos de los 36 Estados Miembros de la Organización el tema de la fotografía de familia. Se les pide que representen a la familia de hoy con una mirada a la vez aguda y transversal.

El ganador beneficiará de:un monto de 5 000 € y el tiraje de una fotografía de Martín Chambi; un espacio de promoción en el sitio Internet de la Unión Latina con la presentación de las fotografías.

http://unilat.org/DCC/Diversite_culturelle/Martin_Chambi/es

El libro peruano de Cornell Capa

2012-01-23T08:34:00.005-05:00

Me paso un poco de tiempo con álbumes de fotos, ya sea por este blog, que es primo de Tumblr ligeramente con menos palabras, o simplemente por placer personal, pero no es frecuente que llegue a pasar un día con un libro como éste. De hecho, no es un libro, sino una maqueta de un libro que nunca fue publicado. Mario, es un álbum de fotos de los niños por Cornell Capa que cuenta la historia de un joven peruano llamado Mario. No estoy seguro de por qué nunca fue publicado, pero entiendo que esta maqueta pasó la mayor parte de su vida útil en un estante y que sólo recientemente ha reaparecido. Así que cuando me dieron la oportunidad de pedir prestado el libro por un día, me apresuré a aprovechar la oportunidad.

El libro se compone de aproximadamente 60 imágenes por Cornell Capa. Las fotografías son en su mayoría negro y blanco, aunque también incluye un puñado de imágenes en color. Las fotografías van acompañadas de una narración escrita por Sam Holmes, que sigue a un niño quechua indio llamado Mario, que sueña con ir a América, donde va a comprar un tractor de su padre. La historia sigue a Mario de la vida sencilla de su familia en la granja de su escuela y luego a la ciudad de Cuzco en el sureste de Perú para el Festival de Corpus Christi, que termina con Mario regresar a casa. Cuando en el Cuzco, Mario pasa a cumplir un muchacho americano que se trata de la misma edad que él, su primer encuentro con el país que ha estado soñando con visitar.

Aunque el texto está claramente dirigido a los niños, también hay algunos pasajes históricos bastante denso. Una sección se refiere a la riqueza de la antigua civilización Inca, mientras que otro describe los rituales de la fiesta del Corpus Christi. Una de las cosas más fascinantes de Mario, es que bajo el lenguaje infantil, el libro tiene un fuerte mensaje político. Al regresar a casa después de su encuentro con el joven estadounidense durante el cual experimenta algunas de las comodidades del estilo de vida consumista occidental después de dormir de nuevo con su familia en un hotel en Cuzco, Mario crece a apreciar la belleza simple, antigua y las tradiciones de la tierra rural en él es de y su deseo de viajar a la ciudad o se desvanece Latina. Hoy en día es de derecha de América redes de noticias por cable estaría indignado por la progresiva del libro, el "socialista" del mensaje.

No estoy seguro exactamente cuando la maqueta de Mario se hizo (creo que ha de ser a finales de 1950 o 1960), pero es una ventana muy interesante en la política estadounidense en el momento y la próxima intervencionista política exterior estadounidense de la década de 1970 . A pesar de que está dirigido a niños, el libro es esencialmente un tratado político progresista ... que podría incluso ir tan lejos como para llamar la propaganda política.

La maqueta es una visión interesante sobre el proceso de toma de álbum de fotos de la era pre-digital. El diseño se realiza mediante un conjunto de impresiones realizadas específicamente para el diseño que luego son atrapados en las páginas del libro ficticio. El texto se presenta de la misma manera. El diseño es bastante dinámico: el libro no sigue una "de una página-por-cuadro" formato, pero juega con diferentes formatos y diseños para las imágenes. Después de haber pasado la mayor parte de su vida en un estante, las huellas están en excelentes condiciones, incluso las de color. Como bono adicional, que han presentado más imágenes de Mario que de costumbre ya que este no es un libro que es probable que sean capaces de obtener en sus manos. Lo que hace esta maqueta particularmente interesante es que yo creo que, aparte de catálogo de la exposición extraño, Capa no publicar álbumes de fotos de su trabajo. Mario es un tiempo de (re) descubrimiento.

Texto original en inglés y más fotos en:

www.eyecurious.com/cornell-capas-peruvian-suitcase/

Fotos del Recuerdo de Lima

2012-01-20T06:57:00.002-05:00

http://elcomercio.pe/lima/1361759/noticia-recuerdos-blanco-negro-fotos-lima-antano

Rally DakaR 2012

2012-01-19T10:44:00.004-05:00

www.dakar.com/dakar/2012/es/resumen/galeria-fotos.html

Proyecto Teleférico

2012-01-18T08:19:00.002-05:00

Proyecto del Teleférico de Lima: Parque de la Muralla / Cerro San Cristóbal

Proyección: MML

Arturo Kameya / Isla El Frontón

2012-01-17T08:13:00.006-05:00

Fotos: http://www.arkameya.blogspot.com/

Lima en Foto

2012-01-16T08:10:00.002-05:00

https://www.facebook.com/#!/pages/LIMAenFOTO/111781638891912

Un encuentro en Marcahuasi

2012-01-15T18:41:00.003-05:00

Daniel Ruzo, poeta, filósofo y explorador, mezcla de hombre de negocios y de visionario, lanza después de cincuenta años de recorrer las montañas y de estudiar a los protohistóricos, este tercer libro que es una síntesis. En él, como en los anteriores, no trata de repetir en una forma nueva lo que ya se ha dicho. Todas las ideas que plantea son nuevas o están contempladas desde nuevos puntos de vista.

Las dos extraordinarias fotografías que ilustran esta cubierta podrian referirse a astronautas que visitan la Tierra con escafandras nunca vistas (para nuestro autor son astronautas terrestres con las escafandras que les permiten viajar en nuestra atmósfera): la del frente presenta en la Meseta de Marcahuasi, Perú, a 4,000 metros de altura sobre el mar, dos misterios inexplicables: uno es la diosa de la fecundidad del Egipto, la Thueris, hipopótamo hembra, erecto; junto a ella, los dos hombres con escafandra: el otro misterio; esta parte posterior presenta un hombre con la misma escafandra y en igual posición. El misterio inexplicable de esta fotografía es que ha sido tomada en Tepoztlán, junto a la enorme estatua del personaje legendario Tepozteco que Ruzo ha descubierto. El hombre de la escafandra conduce el cofre que contiene las palomas, el tesoro de Tepozteco según la leyenda.

Ruzo afirma la existencia no solamente en Perú y méxico sino en Brasil, Francia, Inglaterra, Egipto y Rumania, de iguales montañas sagradas, iguales bosques que las rodeaban, iguales cavernas iniciáticas, los mismos símbolos y la misma finalidad espiritual en todos los continentes: los templos de una humanidad que pereció en el diluvio.

Más info y datos en:

www.unencuentroenmarcahuasi.blogspot.com/

Dakar Snapshots

2012-01-13T09:55:00.001-05:00

www.photographyserved.com/gallery/Dakar-snapshots-(Senegal)/406998

Sueño de la Razón

2012-01-12T10:07:00.000-05:00

http://suenodelarazon.org/revista/

Chile / Guy Wenborne

2012-01-11T08:53:00.001-05:00

http://www.guy.cl/

Dear Photograph

2012-01-10T11:17:00.002-05:00

http://dearphotograph.com/

Lima de Agua Dulce

2012-01-09T09:14:00.001-05:00

Serie tomada del libro Lima Perú de Mario Testino

Convocatoria: Encuentro de Fotografía Documental

2012-01-07T09:24:00.005-05:00

CONVOCATORIA: 1er. ENCUENTRO DE FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL

FOTOFLUYE - LIMA 2012

La vertiginosa propagación de la globalización ha envuelto al individuo en un velo de indiferencia ante las múltiples realidades que suceden en paralelo a su cotidianidad, trayendo como consecuencia que las relaciones interpersonales se vayan debilitando más y más.

En nuestro contexto, han pasado más de 60 años desde las primeras migraciones internas a la capital, debido a ello, Lima se ha ido reconfigurando, llegando hasta la periferia más baldía, permitiendo así el nacimiento de una comunidad híbrida en todas sus manifestaciones; la “multiplicidad” se ha vuelto condición inherente a nuestra ciudad, las hallamos a cada paso, pues se hacen tangibles a través de hechos, lugares, personajes y cosas con las que convivimos.

Ante esta situación la Fotografía Documental se convierte en un importante medio para dejar testimonio del devenir de una sociedad, no mañana, sino hoy, porque el presente es siempre un constante aprendizaje.

Es así como el 1er Encuentro de Fotografía Documental FOTOFLUYE – Lima 2012 pretende reunir tanto fotógrafos como colectivos fotográficos de Lima comprometidos con la Fotografía Documental. Dicho encuentro se desarrollará en torno a las diferentes visiones que se tienen sobre la “Nueva Lima” pues creemos que es necesario vernos a nosotros mismos como sociedad dadas las circunstancias actuales que vivimos. Estamos seguros de que es el mejor momento para realizar el evento y así poder entrar en contacto con lo que piensan quienes generan las imágenes. Se pondrá énfasis en el papel de la Fotografía Documental como generadora de reflexiones sobre la realidad de nuestro entorno.

El encuentro en sí abarcará las siguientes actividades:

-Feria de Fotografía Documental, donde los participantes podrán mostrar, intercambiar y ofrecer su trabajo.

-Conversatorio donde los participantes podrán interactuar con los espectadores y público en general.

-Concurso en el cual seleccionaremos los mejores trabajos entre los fotógrafos y colectivos participantes. ( Se otorgará reconocimiento a los ganadores).

-Se entregarán constancias de participación.

Los interesados pueden enviar un correo a fotofluye@gmail.com con el asunto FOTODOCUMENTAL solicitando la ficha de inscripción y los requisitos de participación.

Las inscripciones están abiertas desde el 6 al 31 de enero del 2012.

"porque el día a día se toca con los ojos".

Cholita Sound

2012-01-06T08:35:00.002-05:00

http://soundcloud.com/cholitasound

Lima Lomo Lama

2012-01-05T10:09:00.002-05:00

http://supay-666.blogia.com/2011/123101-lima-lomo-lama-amo-la-fotografia-aqui-algunos-ejemplos-de-lo-que-hago-cuando-no-.php

Respuesta a los que piden fotos gratis

2012-01-04T10:50:00.003-05:00

Estimado cliente comprador de fotografías:
Si le han enviado a esta página es muy posible que haya solicitado el uso de una o varias imágenes gratis, o haya ofrecido un pago mínimo. Como fotógrafos profesionales recibimos solicitudes de imágenes gratuitas regularmente. En un mundo ideal, a todos nos encantaría responder de forma positiva y ayudar. Especialmente en proyectos o esfuerzos relacionados con áreas tales como la educación, los problemas sociales y la conservación de recursos naturales. Es justo afirmar que en muchos casos nos gustaría tener el tiempo y los recursos para ayudar más que simplemente enviando fotografías.

Por desgracia la realidad de la vida es tal que con frecuencia no somos capaces de responder adecuadamente. O cuando lo hacemos, nuestras réplicas son cortas y no transmiten en un sentido apropiado las razones que tenemos detrás de nuestros argumentos. Las circunstancias varían en cada situación, pero hemos visto que existen un número de temas recurrentes. Los vamos a exponer más adelante con el objeto de comunicarnos con más claridad y procurando evitar malentendidos o sentimientos negativos lo que, por descontado, no es nuestra intención. Le suplicamos que considere los apartados que siguen con el espíritu constructivo con que fueron diseñados. De verdad esperamos que, después que haya tenido la oportunidad de leer este documento, seamos capaces de establecer un dialogo y una relación de trabajo que podría ser muy fructífera para ambos.

Vivimos de las Fotografías
Crear imágenes atractivas es la forma como ganamos nuestro salario. Si regalamos las imágenes o si pasamos demasiado tiempo respondiendo a las solicitudes de imágenes gratis, no nos podemos ganarnos la vida.

Apoyamos Causas Justas Con Nuestras Imágenes
La mayoría de nosotros contribuimos con fotografías y a veces con bastantes más medios para apoyar ciertas necesidades. En muchos casos hemos participado directamente en proyectos que reforzamos con nuestras imágenes o hemos tenido alguna relación personal anterior con las personas claves comprometidas en este tipo de propósitos. En pocas palabras, cada uno de nosotros puede y dona imágenes sin compensación en casos muy especiales.

Andamos Cortos de Tiempo
Responder en forma positiva a cada demanda de fotografías gratis es, sin embargo, muy poco práctico. Solo la enorme cantidad de tiempo que requiere responder a las solicitudes, intercambiar correspondencia, preparar y enviar archivos, y además las llamadas de seguimiento para averiguar cómo usaron nuestras fotografías -o si se lograron los objetivos que se buscaban- requiere mucho tiempo.

“Pero no tenemos dinero!”
Esta súplica es, a menudo, difícil de evaluar. La razón primordial que alega el solicitante en casi todas las demandas de fotografías gratuitas es que carece de fondos. Estas peticiones con frecuencia proceden de organizaciones que atesoran grandes cantidades de efectivo en sus manos, sean empresas, agencias gubernamentales o semi-gubernamentales o quizás una ONG. A menudo solo con una somera revisión de los documentos públicos de estas compañías descubrimos que poseen una significativa cantidad de fondos, ciertamente más que suficiente para pagar a los fotógrafos un sueldo razonable si deseasen hacerlo.

Y lo que es peor es que, a menudo, entre todas las personas envueltas en un proyecto, solo a los fotógrafos se les pide que trabajen gratis. Todas los demás implicados reciben un salario. Tomando todo esto en consideración quizás entenderá porque habitualmente nos sentimos insultados cuando se nos comunica que “no hay dinero”. Declaraciones de esta índole pueden ser interpretadas como un complot con tintes un tanto cínicos y un abuso hacia individuos inocentes.

Limitaciones de Presupuesto
Excepto en unos casos raros la fotografía no es una profesión muy bien pagada. Hemos escogido este camino en gran parte debido a la pasión que tenemos por la comunicación, el arte visual y el tema en que nos especializamos. El enorme crecimiento de la cantidad de fotografías disponibles en los años recientes en Internet, acompañado por la disminución de muchos compradores de fotos, significa que nuestros ya débiles ingresos están soportando un estrés adicional.

Considere también que ser fotógrafo profesional requiere una enorme inversión de capital. Nuestra profesión, por su naturaleza, requiere grandes inversiones en equipo. Necesitamos comprar cámaras, lentes, ordenadores, software y discos duros continuamente. Todo este equipo tiende a fallar y necesita reparaciones muy caras. También estamos avocados a duplicar los sistemas de almacenamiento de todos nuestros archivos porque una taza de café mal colocada puede borrar literalmente años de trabajo.

Para todos nosotros, invertir en el equipo esencial que necesitamos para trabajar significa un gasto de miles de dólares o euros cada año, puesto que tenemos que estar al corriente de las últimas tecnologías y asimilar las nuevas formas de entender y practicar la fotografía. Además, viajar es una parte muy importante de nuestro negocio. Gastamos ingentes cantidades de dinero en transporte, hoteles y otros costos relacionados con el hecho de desplazarnos. Y, claro, tal vez lo más importante es que hay una cantidad inmensa de dinero que invertimos en tiempo. El que fue imprescindible y necesario para adquirir la experiencia que nos permite hacer bien nuestro trabajo. Sin mencionar los riesgos personales que a menudo tomamos.
Disparar instantáneas quizás solo requiera pulsar el disparador, pero crear imágenes exige habilidad, experiencia y juicio. Así que, en conclusión, a pesar de que entendamos y simpaticemos con los problemas presupuestarios, desde un punto de vista práctico se nos hace totalmente imposible subsidiar a todos aquellos que nos piden algo.

Obtener Fama (o Créditos en una publicación) No Significa Mucho
Parte del argumento cuando se solicitan imágenes gratis -alegando problemas presupuestarios- son las promesas de difusión del nombre del fotógrafo como una forma de compensación, en vez de pagarle en efectivo.
Hay dos problemas con esto:
· Primero, recibir unos créditos por ser los autores de una obra no es una compensación. Después de todo, fuimos nosotros que los que creamos la imagen, así que el reconocimiento de autoría que se nos propone es automático. No es algo que esperamos que una tercera persona nos lo otorgue por la bondad de su corazón.
· Segundo, el crédito no paga las cuentas. Esperamos que haya quedado claro que trabajamos duro con la intención de reinvertir en equipo fotográfico y para cubrir los gastos relacionados con nuestro negocio. Y no hay que olvidar que necesitamos ganar suficiente dinero para pagar para las necesidades básicas de la vida, como comida, vivienda, transporte, etc. Resumiendo, el reconocimiento de la autoría de una imagen que hemos creado es algo que cae por su propio peso. Los créditos no son un substituto para el pago.

“Eres el único fotógrafo que no coopera
En los raros casos que tenemos tiempo para entrar en una correspondencia con personas e identidades que nos piden fotografías gratis, el dialogo frecuentemente degenera en acusaciones hacia nosotros y se nos imputa que cualquier otro fotógrafo con los que han contactado estuvieron encantados de regalar sus fotos y que, por alguna razón, somos los únicos que somos poco comprensivos. Estamos convencidos que esto no es cierto.
Sabemos que no existe un fotógrafo responsable y competente que estaría de acuerdo con unas condiciones irracionales. Tenemos constancia y aceptamos que fotógrafos inexperimentados y gente o personas que son dueños de una cámara puedan regalar su trabajo, pero debemos recordar que la gente “se merece lo que paga”.

Manténganos Informados
Otra experiencia frecuente es que cuando proveemos fotografías gratis; a menudo no recibimos información, ni seguimiento, ni nadie se molesta en contar cual fue el resultado del proyecto, cuantos objetivos fueron alcanzados, de qué sirvieron nuestras fotografías o si hicieron algún bien. Muy a menudo ni siquiera nos contestan cuando solicitamos información respecto al destino final de ellas. Por lo menos, no, hasta que necesitan otra vez fotografías. En los casos que hacemos trabajos gratis, suplicamos que tengan la cortesía de indicarnos como anduvieron las cosas. Un poco de consideración hacia nosotros será un incentivo para que nos planteemos dedicarle algo de tiempo a sus proyectos y proveer imágenes.

Conclusión
Esperamos que los puntos que hemos expuesto ayuden a entender por qué el fotógrafo le ha mandado este enlace. Todos nosotros somos profesionales dedicados a nuestro trabajo y nos encantaría trabajar con ustedes para progresar en una forma mutuamente fructífera.

ATENCION COLEGAS:
Pueden usar este texto bajo la autorización de Creative Commons Atribucion – Non Commercial – Share Alike 3.0 Unported License. Por favor asegúrese que incluye un link a esta página. Si desea agregar su nombre a esta lista por favor usa el formulario de contacto. Texto escrito originalmente en ingles por Tony Wu.
http://thephotosociety.org/blog/how-to-respond-to-requests-for-free-photography/
Traducción al castellano por Lombardo Castro, Alex Castro y Tino Soriano

Perú Documental

2012-01-03T10:05:00.001-05:00

PERU DOCUMENTAL from Cecilia Larrabure on Vimeo.

Feliz Año Viejo

2012-01-02T12:10:00.003-05:00

Inmediaciones del Mercado Central de Lima. Verano 2012.

Registro: Jhonny Tumay S./ PerúFoto.org

Arco Iris en el Polo Norte

2011-12-31T11:11:00.002-05:00

Planeta Curioso 2011.- El fenómeno que es poco común, llamado arco de niebla, fue descubierto durante una reciente expedición al Polo Norte. Este fue encontrado cuando la tripulación de un barco rompehielos vió el arco iris, y se sorprendió al ver que estaba completamente blanco.

El fotógrafo Sam Dobson rápidamente tomó su cámara y, a pesar de las bajas temperaturas, capturó la imagen única. El hombre, de 51 años, dijo que era alrededor de la medianoche, pero debido a la época del año todavía había bastante luz.

¿Que es el arco de niebla?

Es un reflejo de la luz del sol debido a las gotitas de agua del aire, un efecto similar al arco iris… pero sin colores. La forma de arco de niebla se crea sólo por aquellas gotitas que están situadas en el ángulo necesario para desviar la luz solar hacia el observador.

Trent Parke

2011-12-30T09:57:00.002-05:00

www.in-public.com/TrentParke

Así se fabrican las cámaras Nikon en China

2011-12-29T12:41:00.003-05:00

Tres (o cuatro) años después, así se fabrican las Nikon 1. Shanghái. Iker Morán.- Es una de las preguntas más recurrentes cuando se visita una factoría de cámaras digitales: ¿cuánto tiempo se tarda en producir cada unidad? Y el caso de Nikon y su planta china de Wuxi, en la provincia de Jiangsu, no es una excepción. Tampoco ha faltado la consabida respuesta: "No podemos dar datos concretos." Así que se nos ocurre que, mucho más interesante que saber cuántas horas o minutos tardan en ensamblarse las casi doscientas piezas que conforman las Nikon J1 y V1, es saber desde cuándo ambas cámaras están en la cabeza de los ingenieros de la compañía. Uno de los miembros de Nikon Europa despeja nuestras dudas: hace ya tres o cuatro años que Nikon trabajaba en este sistema sin espejo.

Un dato que obliga a plantearse en qué tipo de modelos estarán ya trabajando a tres años vista. O qué se traerá entre manos desde hace ya tiempo la competencia, que por ahora reniega de las cámaras sin espejo.
Otro tópico: ¿qué imagen nos viene a todos a la cabeza si pensamos en una fábrica de productos tecnológicos en China? Al parecer, no somos los únicos que nos hemos acercado a Wuxi tras un buen paseo en autobús desde Shanghái con cierto escepticismo sindical. Buena parte de las preguntas realizadas por las decenas de periodistas especializados que han secundado esta visita apuntaban en la misma dirección.
Pese a las reticencias iniciales, lo cierto es que lo que hemos visto no dista demasiado de otras factorías de cámaras en Japón. Es más, desde Nikon parece insistirse en esta idea de traslado de la filosofía nipona a sus centros de producción, independientemente de su situación en el mapa.

Uniformes impolutos, instalaciones muy eficientes con pasillos divididos para la ida y la vuelta, carteles y tablas de productividad por doquier. Incluso nos ha parecido ver a un meticuloso miembro del grupo de visitantes deslizar su dedo por barandillas y ventanas para comprobar si había polvo. De verdad. No sabemos lo que opinarán de esta buena impresión los 8.000 operarios que trabajan aquí, pero los datos dados parecen desmontar esa tenebrosa imagen: turnos de ocho horas, jornadas semanales de 40, dos descansos de 10 minutos para descansar, comedor en las propias instalaciones… ¿El sueldo? Unos 3.000 yuanes mensuales, que al cambio rondan los 350 euros. Según las estadísticas oficiales del país, el salario medio anual es de algo más de 2.000 euros.
Aclarado este espinoso asunto -y sin ningún ánimo de hacer de palmeros de las condiciones laborales en China-, este tipo de visitas permiten descubrir pequeñas curiosidades en el proceso de fabricación de las cámaras y las ópticas. Ni que decir tiene que no nos volvemos con ningún secreto ni con los planos de la D800 en el bolsillo

La información es bastante limitada, las preguntas se esquivan o directamente se pierden en la traducción del chino al japonés y al inglés ("no sabemos dónde se produce el CMOS de las V1 y J1", apuntan los responsables de la planta entre las sonrisas y gestos incrédulos de la prensa) y las fotos en el interior están terminantemente prohibidas.
Pese a ello, no dejará de sorprendernos el altísimo porcentaje de trabajo manual que implica el ensamblaje de estas cámaras. Desde el proceso de pulido de las lentes que componen los objetivos o los módulos de las compactas hasta la impresión por estampación de cada una de las rotulaciones que llevan. En el caso del logotipo de Nikon, la tinta blanca que lo rellena se coloca con una especie de aplicador y mucha paciencia y precisión. Nos comentan que ninguna máquina sería capaz de conseguir el mismo resultado.

Cada día salen de esta factoría de 97.000 metros cuadrados (54.000 de ellos destinados a las plantas de producción) unas 5.000 unidades de la J1 y 1.000 de la V1. En Nikon parecen tener muy claro cuál de los dos modelos va a ser un éxito de ventas estas próximas Navidades.
De todos los operarios, 600 se dedican exclusivamente al ensamblaje de estas dos compactas de óptica intercambiable. A-CIL (Advanced Camera Interchangeable Lens), según la nueva terminología nikonista.
Aunque las Nikon 1 son la estrella de esta fábrica operativa desde 2002, aquí también se producen los objetivos intercambiables para este sistema y los módulos ópticos para algunas compactas, como la Coolpix S8200 o la P300.

Aun así, la cámara de la casa para las fotos oficiales sigue siendo una réflex. No, no es una D800 (¿se imaginan la exclusiva?), sino una veterana D300. Retrato de familia, y vuelta a Shanghái, comprobando desde el cristal que muchas otras firmas del sector (Kodak, Sony, Agfa, Konica Minolta…) tienen también plantas en este mismo centro industrial.

Ayer, tras unas horas finales de turismo por esta ciudad que parece sacada de "Blade Runner" (la comparación no es mía, pero es tan acertada que no he podido resistirme), tocaba hacer las maletas, despedirse de la Nikon J1 roja que nos había acompañado estos días y volver a casa.

De todos modos, si surge la ocasión, no dejen de pasarse por aquí. Esta ciudad obsesionada con ser Tokio o Nueva York resulta una delirante combinación de nueva riqueza con billetes con el rostro de Mao y de rascacielos y callejones tan oscuros como interesantes y fotogénicos. Vaya, ya lo hemos vuelto a hacer.

www.quesabesde.com/noticias/nikon-1-shanghai-fabrica-nikon-j1-v1-cronica,1_8178

Proyecto Costa Verde

2011-12-28T16:52:00.002-05:00

x Lima Metropolitana 2011 x

Liese Ricketts / Curious Instants 084

2011-12-27T10:42:00.001-05:00

Curious Instants 084

Robin Utrecht en Perú

2011-12-26T20:15:00.002-05:00

GALLERIES

La historia de la foto de los US$2.000

2011-12-26T09:48:00.006-05:00

PUBLIMETRO .- Un fotógrafo holandés hizo un retrato de una vendedora con su hijo. Dijo que le pagaría un porcentaje de lo que cobrara si llegaba a venderla.

San Juan de Lurigancho es el distrito más poblado de Sudamérica. El censo del 2007 registró una población de casi 900 mil personas y hoy se calcula que pasa el millón. Tiene zonas ya urbanizadas, con sus calles trazadas, pistas asfaltadas, servicios de agua y luz (sobre todo alrededor de Los Próceres, la avenida principal) pero a los cerros más lejanos siguen llegando migrantes del interior, que vienen a la capital en busca de un futuro mejor.

No tienen casa, así que se acomodan en estos cerros como pueden y poco a poco van haciéndose ellos mismos sus propias casas. Con cartones, maderas, techos de calamina. Se organizan para hacer rondas de seguridad, comedores comunes, buscar trabajo… sobrevivir en la ciudad. Estos “agrupamientos familiares” son los barrios más pobres entre los pobres. En uno de ellos, llamado Los Nogales, vive Mariela Valera Huanca.

¿Quién es Mariela? Nació en Pallasca, Áncash, en 1981. Buscando mejores oportunidades, hace 12 años llegó a Lima con su hermano Gilmer. Se instalaron en uno de los cerros de San Juan de Lurigancho. Mariela conoció a Juan Chura, sastre de oficio, y tiene 2 hijos con él: Lady, que ahora tiene 11 años, y Roy, de 6.

Para ganar algo de dinero, Mariela iba al Centro de Lima a vender pasteles de choclo como ambulante. Llevaba con ella a Lady y Roy porque no tenía con quién dejarlos. A Roy lo cargaba a la espalda, en una manta multicolor. Eso hizo que su historia (la de miles de migrantes en Lima) sea especial: el fotógrafo holandés Robin Utrecht le tomó una foto hace tres años, le prometió pagarle un porcentaje si vendía esa foto en Europa, y ahora cumple su palabra.

http://publimetro.pe/actualidad/2629/noticia-conoce-historia-foto-us2000

Libertades de imagen en espacios públicos

2011-12-24T11:25:00.003-05:00

Agencia CI (Europa).- Como aficionado a la fotografía tengo curiosidad por las normas y restricciones o la ausencia de éstas que pueden existir o no a la hora de captar imágenes de elementos situados en el ámbito público, especialmente de aquellos que puedan disponer de derechos de autor como edificios o esculturas más o menos recientes.

En España todo aquello que permanece en la vía pública puede ser fotografiado -dibujado, pintado o grabado en vídeo- y la obra resultante puede ser distribuida libremente. No es aplicable limitación por derechos de autor, aunque estos existan. Existe por tanto libertad de imagen.

Esto es aplicable a una escultura, un escaparate o a la fachada de un edificio. Incluyendo la Torre Picasso, ejemplo recurrente de obra ligada a la leyenda de que no se puede fotografiar. Se puede porque está en la calle de forma permanente, aunque sea privada y su autor conserve sus derechos sobre ella.

Esto tampoco quiere decir que "valga todo": este derecho, como todos, termina donde comienza otro. En este caso derechos anteriores como al honor o la intimidad que limita por ejemplo fotografiar desde la calle al interior de una vivienda o fotografiar personas que circulan por la vía pública -como sujeto de la imagen- si ésta no tiene carácter informativo. Pero este es otro tema.

La consideración de los derechos de autor dentro de las fotografías no es igual en todos los países, siquiera dentro de la Unión Europea.

Por ejemplo:

En Italia no existe libertad de imagen: el derecho de autor no encuentra excepción en la fotografía desde la vía pública. La fotografía es una forma de reproducción y por tanto la distribución libre de estas fotografías está prohibida.

En Alemania sucede al contrario: existe una excepción expresa dentro de sus leyes sobre derechos de autor. La llamada Panoramafreiheit (Libertad de Imagen) permite la distribución de fotografías de obras de cualquier tipo situadas en la vía pública, más o menos como en España.

En países como Finlandia o Noruega, entre otros, esta libertad de imagen es sólo aplicables a edificios, pero no a cualquier otro tipo de obra.

En Islandia como en numerosos países del Este de Europa la "libertad" queda limitada al uso no comercial de las fotografías.

En Francia y Bélgica tampoco existe libertad de imagen de forma general y total y consideran la existencia de derechos de autor dentro de una fotografía. En estos dos países se dan sendas curiosidades respecto a la distribución de imágenes de carismáticas estructuras situadas en la vía pública como son la Torre Eiffel en la capital francesa y el Atomium en la capital belga. Por su antiguedad la Torre Eiffel, que data de 1889, es de dominio público -los derechos de autor "caducan", igual que sucede con obras audiovisuales o escritas- por lo que en principio no debería tener restricciones de ningún tipo.

Y no las tiene en fotografías tomadas durante el día. Pero la cosa cambia cuando cae la noche sobre París debido a que, como se indica en su página web, "su cambiante iluminación sí está sujeta a derechos de autor y de marca". El Atomium de Bruselas (1958) aún conserva su copyright sin excepción a la fotografía en la vía pública y lo mantendrá hasta el año 2075. De modo que cualquier distribución de imágenes de la obra de Waterkeyn debe pasar por caja. No existen estas limitaciones para la distribución de fotografías del Atomium en el ámbito privado y de uso no comercial, pero existen otras: en estos casos las imágenes deben distribuirse o publicarse a baja resolución, a 600 píxeles de tamaño máximo.

Y aunque en países como Gran Bretaña existe de entrada una libertad de imagen completa, las recientes leyes o actitudes originadas por el terrorismo pueden complicar enormemente y hasta hacer imposible la fotografía en la vía pública que, sin haber dejado nunca de estar permitida por derecho, de algún modo está "demonizada" por las fuerzas del orden.

http://foto.microsiervos.com/practico/libertad-imagen-distribuir-fotografias-tomadas-via-publica.html

Taqwacore

2011-12-23T18:48:00.003-05:00

http://www.upthetaqx.com/

Volando América

2011-12-23T11:29:00.002-05:00

www.volandoamerica.com/

Chile / Satélite Espacial

2011-12-22T08:31:00.004-05:00

Santiago de Chile, dic (EFE).- El satélite Fasat-Charlie, con el que Chile quiere ingresar de forma definitiva a la carrera espacial, despegó la semana pasada desde una base en la Guyana Francesa a bordo del cohete ruso Soyuz ST, que lleva otros cinco satélites franceses, según se pudo observar a través de una conexión en directo.

El presidente chileno, Sebastián Piñera, y el ministro de Defensa, Andrés Allamand, supervisaron el despegue de este cohete desde el Centro de Control Satelital situado en la base aérea El Bosque, en Santiago de Chile.

El lanzamiento se realizó en el Centro de Control Júpiter, situado en la ciudad de Kourou, en la Guayana Francesa, donde el ministro chileno de Defensa estuvo el pasado viernes para conocer en persona los detalles de este operativo. El cohete partió a las 23.04 horas de este viernes (02.04 GMT del sábado), apenas un minuto después de lo previsto, y se espera que el satélite chileno se separe de él a las 2.29 horas de Chile (5.29 GMT del sábado). El tercer momento clave de este lanzamiento está previsto para las 4.34 horas (7.34 GMT), cuando el satélite debe establecer su primer contacto con la Tierra a través de una antena que está situada en la localidad sueca de Kiruna, muy cerca del Polo Norte.

El Sistema Satelital de Observación de la Tierra (SSOT) Fasat-Charlie fue construido en base a una plataforma "Astrosat 100", desarrollada de forma conjunta entre la Agencia Francesa del Espacio (CNES) y el consorcio europeo EADS Astrium.

El aparato entregará imágenes que se utilizarán en labores como inteligencia y monitoreo de fronteras hasta en aplicaciones civiles, como planificación agrícola y urbana, control de desastres y protección del medio ambiente.

El satélite, que pesa unos 130 kilos y tiene 1,4 metros de alto por casi un metro de ancho, se desplazará por una órbita de 620 kilómetros de distancia de la Tierra a una velocidad de 7,5 kilómetros por segundo, y tendrá una vida útil de cinco años.

Posee un telescopio Korsch de tres espejos y puede captar imágenes con resoluciones de 1,45 metros de resolución.

Tras un mes y medio de pruebas, las primeras imágenes podrían estar disponibles dentro de dos meses, según dijo hoy el comandante de la Fuerza Aérea de Chile, Cristián Estuardo, a Televisión Nacional. El proyecto tuvo un costo total de 72 millones de dólares, que incluyen la construcción del centro de control satelital, la capacitación del personal de la Fach y el envío del satélite, entre otras partidas.

Este es el tercer satélite que Chile envía al espacio, y con él se pretende ingresar de forma definitiva en la carrera espacial, según un comunicado del Ministerio de Defensa. El primero, el Fasat-Alfa, fue lanzado en 1995, pero no logró separarse de su cohete. El segundo, el Fasat-Bravo, se puso en órbita en 1998 y estuvo operativo hasta 2001, cuando presentó fallas en el proceso de carga de sus baterías.

Timothy Archibald / The Sex Machine

2011-12-21T20:20:00.004-05:00

http://timothyarchibald.com/

El Observador de Sandra Gajate

2011-12-21T10:26:00.005-05:00

El Observador es la nueva muestra fotográfica de Sandra Gajate en donde se plantea una temática interesante: ¿en qué momento un fotógrafo deja de ser el sujeto de la fotografía y pasa a convertirse en el objeto de ella? Si quieres saber la respuesta, no te puedes perder esta muestra.

El miércoles 7 de diciembre a las 19.30hrs se inauguró El Observador, una exposición de imágenes de la notable fotógrafa Sandra Gajate (egresada de la escuela de bellas artes Corriente Alterna), que estará presentándose hasta el 30 de diciembre en la renovada Sala 770 del Centro Cultural Ricardo Palma. Por medio de esta muestra, la artista presenta su segunda muestra individual, en donde se exhiben fotografías de momentos exactos en que fotógrafos capturan paisajes y espacios urbanos.

Con esta temática, Sandra Gajate recrea un cuadro de espejos donde todo gira en torno a la metáfora de la mirada, cómo la realidad se presenta ante nuestros ojos y cómo esta varía desde el punto de vista fotográfico. El Observador deja una reflexión en cada una de sus obras, quién es el sujeto y quién es el objeto de la fotografía, pues todo varía según la mirada.

El Observador / Exposición fotográfica de Sandra Gajate

Del 7 al 30 de diciembre
Sala 770- Centro Cultural Ricardo Palma - Av. Larco 770

Ingreso libre

Frank Gaudlitz / Cruz del Sur

2011-12-20T11:10:00.005-05:00

http://www.frank-gaudlitz.de/

Galería Mulera

2011-12-19T08:36:00.002-05:00

Entrega de Premios por los Derechos Humanos 2011

http://galeriamulera.lamula.pe/

Indie Photobook Library

2011-12-17T09:32:00.003-05:00

http://www.indiephotobooklibrary.org/

Ai Weiwei / China

2011-12-16T09:18:00.003-05:00

Más fotos : http://www.time.com/time/photogallery/0,29307,2102128,00.html

Lima Aérea 57

2011-12-15T10:13:00.004-05:00

Servicio Aerofotográfico Nacional. Lima 1957.

La historia de la niña del barrio de lata

2011-12-14T14:09:00.003-05:00

Una mujer se reconoció en una foto tomada hace 45 años cuando era una niña pobre. Hace medio siglo, Gérald Bloncourt visitó los arrabales de París y captó la imagen de una nena portuguesa que vivía en la miseria. La imagen se convirtió en un clásico. Tras dudarlo, hoy Maria da Conceição Tina, profesora de idiomas, dice que se trata de ella.

Hace casi 45 años, un conocido fotógrafo francés de origen haitiano, Gérald Bloncourt, visitó los arrabales pobres de París y le hizo una foto a una niña morena al pie de la precaria casa en la que malvivía. Bloncourt se enamoró de la foto y la colgó desde aquel día en las paredes de su vivienda. La tituló La petite portugaise (La pequeña portuguesa) y pasó a simbolizar, tras ser reproducida en muchas exposiciones y publicaciones, las condiciones de vida de la emigración dura y miserable del Portugal de los años 60. Nadie supo nunca el nombre de aquella niña que se tapaba con la mano la sonrisa, conocida como "A menina do bairro de lata" ("La niña del barrio de lata").

Pero en enero, tras hablar con un amigo, Maria da Conceição Tina, una profesora de portugués y de francés de Coimbra, de 52 años, comenzó a preguntarse si no sería ella la protagonista de esa foto-emblema, como explicaba en un reportaje del diario Público. La actual profesora dudaba, porque no recordaba haber visto nunca un fotógrafo en el barrio de chabolas de Saint-Denis en el que residió durante dos años junto a su padre, su madre y su hermano. Pero reconoció instintivamente la muñeca que sujetaba esa niña con el brazo. También el paisaje de barro y de casas que se amontonaba tras ella. Tras vacilar mucho, se decidió a contactar con el fotógrafo para asegurarse. En junio se conocieron y tras ver y reconocer también a Bloncourt, 45 años más viejo, a Maria da Conceição ya no le quedaron más preguntas.

Hasta que se reconoció en la foto con la muñeca en el brazo y conversó con Bloncourt en París y se convenció de que no es bueno olvidar determinadas cosas y de que su pasado de emigrante pobre, como el de otros miles de portugueses -y españoles- que viajaron hacia el norte en aquellos años, no tiene nada de vergonzoso o reprobable. Sobre todo ahora que muchos portugueses vuelven a emigrar para escapar de la crisis económica que ahoga el país. Ella misma, que se define como una mujer feliz, lo precisa: “Una hija mía, de 24 años, cursó Enfermería, pero no consigue encontrar trabajo y está pensando irse al extranjero. Esto es triste. No porque la vaya a echar de menos, sino porque eso demuestra que estamos mal políticamente, porque este país no puede aprovechar a sus licenciados y les obliga a hacer lo que hicieron sus padres: irse”.

Annie Bungeroth en Lima

2011-12-13T17:45:00.002-05:00

www.anniebungeroth.com/

Aesthetic Quality Xerox

2011-12-12T08:28:00.003-05:00

Xerox trabaja en un algoritmo capaz de distinguir entre buenas y malas fotos

Redacción.- Elegir de forma automática la mejor foto o la más aprovechable de una secuencia es algo que algunas de las últimas cámaras del mercado -las recientes Nikon 1, por ejemplo- ya ofrecen. No obstante, Xerox parece querer ir un poco más allá con el desarrollo de un algoritmo capaz de discernir entre buenas y malas fotos usando criterios estéticos.

Aunque se trata de un proyecto todavía en una fase muy temprana de desarrollo, los investigadores del Xerox Research Center Europe explican que este algoritmo se basa en la identificación y el aprendizaje de las características comunes a las imágenes que los usuarios seleccionan. Una decisión en la que, por tanto, no sólo entran criterios técnicos (fotos movidas, desenfocadas…), sino también estéticos, como la proximidad de un retrato, el color neutro del fondo o incluso el encuadre según la regla de los tercios. Por ahora, Xerox ha publicado una sencilla demostración de esta tecnología, a la que ha bautizado con el nombre Aesthetic Image Search. Eso sí, tan sólo se puede apreciar lo que este algoritmo entendería por una buena o mala foto en diferentes categorías.

Según apuntan desde Technology Review, los planes de Xerox pasan por lanzar esta tecnología el próximo año en forma de un servicio on-line orientado a ayudar a las agencias de "stock" fotográfico o a la creación de álbumes. Paralelamente, la compañía también ha desarrollado otros sistemas basados en este mismo criterio de identificación de las imágenes. Entre ellos figura un método para catalogar automáticamente las fotografías según su contenido, un buscador de imágenes similares o la aplicación Catepix -en fase beta- que promete descubrir lo que las fotografías de Facebook dicen de nosotros.

Emma Livingston / Retratos de Arboles

2011-12-11T10:18:00.002-05:00

www.emmalivingston.com/port-utp1.htm

Polaroid by Lady Gaga

2011-12-10T10:01:00.004-05:00

Parece que la alianza entre Polaroid y Lady Gaga firmada a comienzos de año, podría tener un primer fruto preparado para inicios de 2011, y es que os recordamos que la compañía americana no solamente firmó con ella como reclamo publicitario, sino que la nombró Directora Creativa, haciéndola responsable del diseño de nuevos productos que están por venir.

Comenzando el año 2008 os informamos del adiós a la fabricación y distribución de cámaras y películas fotográficas instantáneas por parte de la empresa americana Polaroid. Buscando seguir con la misma filosofía, al año siguiente se pasaron al formato digital con PoGo, incluyendo en ella una impresora con tecnología Zink. Incluso a principios de este año tuvimos conocimiento de un supuesto nuevo modelo, y experimentos como la Polaroid 300.

Los actuales dueños de Polaroid, PLR IP Holdings, tienen a la histórica firma en una fase de reposicionamiento en el mercado, y parece que esta vez van en serio con la vuelta a la fotografía instantánea, ya que están enviando a los medios una invitación muy especial a un evento que tendrá lugar en el CES 2011 de enero.

Como podéis ver en la siguiente imagen, se puede apreciar mejor que el dispositivo utilizado para la misma utiliza lentes, flash y la ranura inferior que podríamos identificar en una típica cámara Polaroid, que podría ser descubierta el próximo 6 de enero:

Los nuevas productos responden al nombre de Polaroid Grey Label, y concretamente hablamos de tres modelos: GL10, GL20 y GL30. El primero se trata de una impresora, mientras que los otros dos son cámaras, una más tradicional que la otra como podemos comprobar a continuación:
■La Polaroid GL20 es el producto más extraño, sobre todo viniendo de la mano de Polaroid. Se trata de unas gafas que contienen una cámara central y un par de pantallas LCD (1.5 pulgadas) en cada lente. Podemos tomar imágenes y vídeo con ellas.

■En una puesta al día de la filosofía Polaroid, tenemos la GL30, una cámara con impresora incluida (Zink) y diseño bastante más acorde a lo que esperábamos. Tras el diseño retro encontramos un sensor de 12 megapíxeles y una pantalla giratoria LCD encima de la cámara.

■Por otra parte tenemos a la Polaroid GL10, una impresora de reducidas dimensiones basada en la tecnología Zink de la firma americana. Puede recibir imágenes vía Bluetooth de otros dispositivos, como teléfonos móviles. El formato de impresión es de 3×4 pulgadas, con el típico borde blanco si lo consideramos necesario.

Las impresiones de las fotos están listas en unos 40 segundos, pero no tenemos tan definida su salida al mercado europeo, lo que sí podemos adelantar es que la impresora lo hará en el mes de mayo en Estados Unidos a 150 dólares. Se espera que las cámaras estén disponibles antes de terminar el año.

http://www.xataka.com/fotografia/lady-gaga-y-polaroid-presentan-sus-camaras-grey-label

Orlando Barria / Haití

2011-12-09T08:14:00.003-05:00

http://orlandobarria.com/

Urpi Rumania

2011-12-08T08:09:00.003-05:00

http://facebook.com/urpi.rumania

La foto de la polémica en Colombia

2011-12-07T07:26:00.005-05:00

EL TIEMPO.COM en exclusiva con Andrea Savini, autor de la foto para Hola Colombia, y recogió las declaraciones de Rosa Jaluf de Castro, una de las mujeres que sale en la foto.

Savini, fotógrafo español de origen italiano, se mostró sorprendido por el escándalo de las imágenes. "No tengo mucho que decir al respecto, es una foto que no es especial, una entre más de cien que se hicieron para el artículo. Debió ser idea de alguien de nuestro equipo, las señoras aparecieron por ahí para poner un café y a alguien se le ocurrió que se pusieran ahí. No hay que darle más vueltas".

Durante más de 20 años, Savini ha hecho retratos de famosos como Agatha Ruiz de la Prada y el torero Palomo Linares, así como campañas publicitarias para Shell, Heineken y Hugo Boss, y se mostró sorprendido: "Causar revuelo por algo así quiere decir que no hay nada más que contar. Si esas señoras hubiesen sido blancas o amarillas hubiera sido lo mismo. Salen en la imagen porque pertenecen a la familia y por lo que vi la familia las quiere mucho y las trata muy bien".

Para concluir, agregó: "¿Quién puede hacer con maldad una cosa así, con los tiempos que corren hoy en día donde se lucha por las igualdades sociales? Esas señoras son queridísimas en esa casa y las señoras quieren a esa familia, no hay más. El que hace polémica por el reportaje lo que está haciendo es discriminando a los negros, 'Hola' no es una revista que trate temas controvertidos".

Visita a la Huaca Pucllana

2011-12-06T09:28:00.001-05:00

www.circulo-hispano-aleman.de/fotos/huaca_pucllana/index.html

Seba Kurtis

2011-12-05T09:10:00.004-05:00

www.sebakurtis.com/

Los secretos de la foto más vista del planeta

2011-12-04T19:06:00.002-05:00

El autor de la foto de escritorio de Windows, Charles O’Rear

Cuando el fotógrafo Charles O’Rear decidió inmortalizar una pequeña colina del valle de Napa en California, no sospechaba que esa imagen acabaría por convertirse en un icono que sería visto cada día por cientos de millones de personas que utilizan el popular sistema operativo Windows XP.

Su inclusión como fondo de escritorio por defecto ha convertido esta imagen en la que quizá sea la foto más vista del planeta, puesto que ha sido contemplada por más de 1.000 millones de personas, tal y como cuentaManuel Almeida en su blog “Mangas Verdes”. De hecho, es probable que el ordenador desde el que está leyendo este artículo utilice ese fondo de pantalla.

El secreto de esta fotografía, bautizada como “Bliss” (“Felicidad”), radica en su sencillez. Una pequeña colina central cubierta de verde hierba fresca contrasta con el azul del cielo y éste, a su vez, con el blanco inmaculado de las pequeñas nubes que lo salpican, de forma que el conjunto casi parece una ilustración.

¿Una fotografía de 2002?

En una reciente entrevista en el “Daily Mail”, O’Rear, que en la actualidad tiene 65 años, aseguró que tomó la fotografía hacia 2002, algo imposible si se tiene en cuenta que el lanzamiento de Windows XP se produjo un año antes. Lo más probable es que fuera captada en 1996, época por la que esa zona del valle de Napa había sufrido una plaga que obligó a podar todas las vides y plantar césped, dotando a la colina de ese peculiar aspecto.

La foto llegó a manos de Microsoft ya que O’Rear, que trabajó durante 25 años para National Geographic, era proveedor habitual de Corbis, una compañía de stock fotográfico propiedad de Bill Gates. El fotógrafo nunca ha desvelado el importe por el que vendió la imagen a Microsoft pero según el “Daily Mail” está considerada la segunda venta de licencia de uso fotográfica más cara de la historia.

De acuerdo con las ventas alcanzadas por Windows XP en sus diez años de historia, probablemente también es una de las fotos más vistas del mundo. Paradójicamente, su autor apenas la ha visto, ya que, como muchos profesionales de la imagen, trabaja con Mac.

Fuente: http://www.abc.es/20111125/medios-redes/abci-secretos-foto-vista-201111251226.html

Bautismo en la Catedral de Lima

2011-12-04T09:58:00.006-05:00

Celebración del Primer Sacramento Católico

Catedral de Lima. 1946. Fotos: F.S.

Inglaterra / Maria Marshall

2011-12-03T10:42:00.004-05:00

www.mariamarshall.com/

Andrea Morales

2011-12-03T10:35:00.002-05:00

http://andreamoralesphoto.com/

Blurb Peru

2011-12-02T08:05:00.002-05:00

http://es.blurb.com/

FOLi Lab

2011-12-01T08:32:00.002-05:00

FOLi Lab
Laboratorio y experimento urbano del Museo de la Fotografía Lima – FOLi
Plaza San Martín, Centro Histórico de Lima

ANTECEDENTES:
... El Museo de la Fotografía de Lima - FOLi - como nueva institución cultural, busca promover la cultura y el arte fotográfico en Perú. Para ello esta desarrollando el programa piloto, FOLi Lab; en el marco de futuras actividades culturales a realizarse en la 1ra Bienal de la Fotografía de Lima en Marzo del 2012.

OBJETIVO GENERAL
El objetivo del FOLi Lab es experimentar la visión estética y cultural con respecto a los diversos estilos y prácticas fotográficas que son desarrolladas actualmente.

Para ello, en la plaza San Martín se desarrollará una serie de actividades que incluyen: exposiciones de colectivos y organizaciones que participan en proyectos fotográficos en Lima que incluyen: Proyecto TAFOS, Lima Foto Libre, Supay Fotos, Ojos Propios; talleres gratuitos de fotografía estenopeica o pin hole; proyecciones de fotografías y de multimedia y discusiones abiertas sobre la fotografía.

Participantes del FOLi Lab Diciembre 2011
Plaza San Martín de Lima

Participación principal - Lima Foto Libre

Invitados:
Supay Fotos
Ojos Propios

Verte MirArte

Construcción del Centro Cívico de Lima

2011-12-01T08:24:00.002-05:00

Centro Cívico / Lima 1970s.

Archivo Philippe Salaün au Pérou

2011-11-30T19:51:00.003-05:00

Ex Director de la BNP, Hugo Neira y Alfredo Vanini

Biblioteca Nacional del Perú recibió importante donación

San Borja 2009. La visión del fotógrafo francés no es turística, ni miserabilística, todo lo contrario, es humanista, fueron algunos de los elogios que el Director de la Biblioteca Nacional del Perú (BNP) Hugo Neira expresó sobre el trabajo de Philippe Salaun, tras recibir las 51 imágenes que fueron donadas a la primera institución cultural.

Salaun retrató nuestro país entre los años 2001 y 2005, periodo en el cual visitó nuestro país en diversas oportunidades y tuvo la ocasión de visitar ciudades como Piura, Iquitos, Cusco, Lima, Puno, Ica, Lambayeque.

En noviembre del año 2008, el consultor cultural de la BNP, Alfredo Vanini visitó Francia por invitación del gobierno de ese país, y durante su estadía se encontró con Salaun, quien le solicitó que donara este conjunto de fotografías denominada “Ça, c´est le Pérou” (“Esto es el Perú”) -que ya fueron expuestas por la Alianza Francesa en todo el país- a la BNP, encargo que Vanini ha cumplido cabalmente.

Durante la ceremonia Vanini leyó un breve texto escrito por Salaun para la ocasión, en algunas de las líneas el fotógrafo dice que tomó las fotografías “para que los peruanos se reconozcan en ella, y reconozcan a sus compatriotas”.

El fotógrafo francés demuestra una vez más, el enorme cariño que tiene por nuestro multicultural país, pues el año pasado nos donó “África ida y vuelta”, exposición suya que plasma a la comunidad afrodescendiente en Bolivia.

Una de las fotografías donadas por fotógrafo francés

Postales de Cajamarca

2011-11-30T08:36:00.003-05:00

Investigación de Verónica Janssen

Edición: Antares Artes y Letras

Yanacocha 2002

Kami Velvet

2011-11-29T20:51:00.001-05:00

http://kamivelvet.blogspot.com/

Zapallal | Yurinaki

2011-11-29T10:22:00.004-05:00

www.andresmarroquin.com/Zapallal_Yurinaki_1.html

Magnum / Hojas de Contacto

2011-11-28T14:35:00.004-05:00

Nadie programó su obsolescencia. Y nadie, tampoco, ha tenido la osadía de escribir su obituario, por la sencilla razón de que, pese a su evidente declive, se resiste a morir. Pero la lenta desaparición de la hoja de contactos, tan íntimamente ligada a la fotografía analógica, anticipa la muerte, a manos de la tecnología, de una manera de retratar la realidad e imaginar la fantasía.

Ahora, el duelo por la pérdida ha quedado plasmado en el libro Magnum. Hoja de contactos (Blume / Thames & Hudson), una obra que tiene un cierto aire de honras funerarias -aunque no en sentido literal-, pero en la que priman la admiración y la curiosidad. También en la acepción de "vicio que lleva a alguien a inquirir lo que no debiera importarle" (DRAE). El volumen, editado por la comisaria asociada del Centro Internacional de Fotografía (ICP) Kristen Lubben, podría servir de "epitafio", según la expresión acuñada por Martin Parr. De hecho, una conversación con este miembro de Magnum y arqueólogo insaciable de los libros de fotografía fue lo que llevó a la autora a proponer un recorrido por la historia del siglo XX a través de las pruebas de los miembros de la agencia. Un proyecto editorial que, lejos de ofrecer una mortaja, ofrece un in memoriam... en vida.

La descripción con la que la autora introduce al lector en este opus magnum es elegiaca: "El libro recorre el desarrollo y la desaparición de un método de trabajo antaño tan omnipresente que llegó a considerarse como una parte inextricable del proceso fotográfico: el empleo de las hojas de contactos como registro de las tomas propias, como herramienta de edición y como índice de un archivo de negativos". En su introducción a los archivos de la agencia fotográfica fundada tras la II Guerra Mundial, Lubben intenta hacernos comprender el papel que juegan en el proceso de creación esos registros que Henri Cartier-Bresson (cofundador de Magnum) desaconsejaba exponer a la vista del público porque "están llenos de tachaduras, de detritus". La única excepción a la fotografía química que se ha permitido la autora en el libro es la captura de pantalla del programa de edición con el que Mikhael Subotzky, que trabaja con película de color, edita sus contactos digitales tras escanear los negativos.

Por mucho que en esas hojas permitan descubrir errores de exposición y encuadres malogrados, la palabra que viene a la mente cuando se ven las más de 500 páginas de este libro es embeleso por su invitación a adentrarse en un mundo desconocido para las personas ajenas al fotógrafo.

La doble fascinación ante la inevitable imperfección del fotógrafo y la brillantez de una imagen, por fin, conquistada, se une a la sensación de asistir a las bambalinas de un espectáculo puesto en marcha por fotógrafos de la talla de Robert Capa, Marc Riboud, Inge Morath, René Burri, Leonard Freed, Thomas Hoep-ker, Josef Koudelka, Susan Meiselas, Abbas, Raymond Depardon, Jim Goldberg, Cristina García Rodero, Alec Soth y Antoine d'Agata, entre otros.

¿Cuál es el propósito de este libro? "Me di cuenta de que se había escrito poco sobre las hojas de contactos per se, exceptuando las referencias en algunos catálogos o las reflexiones de Peter Galassi [excomisario responsable de Fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York]", señala Lubben en conversación telefónica con EL PAÍS. Como era de esperar, la curiosidad inicial se convirtió en ansia de conocimiento. "Me intrigaba su relevancia, su significado. Entendí este proyecto de libro como una oportunidad para aportar un poco de contexto histórico sobre el criterio y las actitudes de los fotógrafos". La editora destaca la colaboración recibida por parte de Magnum y sus fotógrafos, así como de los herederos de los autores fallecidos. "Participaron codo con codo, tomando decisiones y dando su opinión".

Y ese diálogo tiene su razón de ser. "Para un fotógrafo", explica Lubben, "enseñar sus hojas de contactos supone un gesto de confianza muy grande". Y recuerda que Magnum es un colectivo fundado como cooperativa. "El hecho de poder compartir tu trabajo y ver el de otros colegas ha formado siempre parte de lo que suponía entrar en Magnum". El sentido de pertenencia a una colectividad, la atmósfera colegiada... "Sí, se puede decir que es un acto de fe", concluye. Entre las interacciones que se producen en esa apertura a la mirada crítica (en un ambiente de reciprocidad) también está el diferente criterio acerca de la calidad. ¿Eligió el editor la mejor foto o erró en su apreciación? Para Lubben, esa diferencia de criterios vuelve a encajar con la esencia del proceso de edición, ya que "diferentes personas tendrán diversas opiniones. Unos darán prioridad a la captura del momento decisivo dentro de una acción, otros tendrán prioridad a la singularidad de imágenes como las de los bulldogs de Elliot Erwitt en Nueva York". Hay interrogantes que tienen que ver con el criterio informativo. Por ejemplo: la imagen elegida ¿refleja con veracidad lo que vio el fotógrafo? ¿Hubo manipulación en la selección? John G. Morris, el primer editor ejecutivo de Magnum, afirmaba en sus memorias (Get the picture): "La mentira está en las cosas que no han sido fotografiadas. El mundo está lleno de ellas".

Otra de las cuestiones que afloran es lo que hemos ganado y perdido con el paso de la fotografía analógica a la digital, en la que las hojas de contactos han sido sustituidas por los discos duros. "Seguimos en transición. Temo que no tengamos acceso a todo este material, a fotografías que podrían parecer irrelevantes en el momento de ser capturadas". A modo de ejemplo, cita el archivo de las fotos de Robert Capa y Gerda Taro que alberga el ICP. "Mucho de lo que hemos hecho [en materia de difusión] no se corresponde necesariamente con las imágenes que fueron publicadas en su momento, sino con otras fotos que han quedado registradas en negativos y hojas de contacto. Habrá que ver cómo aguantan los archivos digitales con el paso del tiempo".

En el lado positivo, "ahora hay más posibilidades para el multimedia, para compartir información y acceder al medio en general, pero desde luego estamos en medio de un proceso de cambio masivo", reflexiona no sin nostalgia: "Algo se ha perdido".

Texto completo tomado de acá

Fotografía Japonesa Contemporánea

2011-11-28T09:45:00.002-05:00

Esta muestra itinerante, presentada por la Fundación Japón, refleja una visión general de la diversidad de expresión fotográfica que surgió en Japón desde la década de 1970, y que reúne 76 imágenes de 23 fotógrafos, gracias al proyecto del investigador Rei Masuda, curador del Museo de Arte Moderno de Tokio.

La exposición estará abierta al público hasta el miércoles 30 de noviembre en el Centro Cultural Peruano Japonés.

30 Aniversario del diario La República

2011-11-27T19:03:00.003-05:00

http://www.larepublica.pe/infografias/fotos-historicas-17-11-2011

Marcelo Montecino en Lima

2011-11-26T09:39:00.004-05:00

Lima 1980. Fotos: Marcelo Montecino

Argentina / Luis Gonzalez Palma

2011-11-26T09:32:00.002-05:00

http://www.gonzalezpalma.com/

Lonely Mine

2011-11-25T09:07:00.002-05:00

Esta crónica y más fotos en la web de Antonio Escalante.

DeCierto de Musuk Nolte

2011-11-24T12:22:00.002-05:00

Musuk Nolte hace un juego de palabras entre desierto y decir, para reflexionar sobre la condición del desierto como espacio contenedor de situaciones sociales.

En este proceso, Nolte juega con elementos simbólicos de las invasiones y nos confronta con imágenes que juegan con la abstracción de los símbolos de esta realidad social.

Existen dos elementos claves, la estera y la bandera, que son utilizados en las imágenes de Nolte. La primera deja un rastro, sugiriendo la acción humana y cumpliendo un papel simbólico. Por su lado la bandera, es parte fundamental de una invasión, es una suerte de aval de un acto ilegal, pero más allá del concepto, está el interés en el carácter performático.

La poética del desierto se equilibra con los significados que ha ido cobrando a lo largo de la historia. Un espacio en el que las cosas suceden en silencio, en que el vacío es testigo y se carga de significados.

Galería Lucía de la Puente - Barranco

Sala de especiales proyectos
Del 24 de noviembre de 2011 al 6 de enero de 2012

Ingreso Libre

Amazonas Peruanas

2011-11-24T12:13:00.004-05:00

Fotos y montaje: Leisy Von Suarez / Alpasoperuano.net

فن عاري

2011-11-23T12:54:00.002-05:00

http://arebelsdiary.blogspot.com/

Festival Rockacho

2011-11-23T11:34:00.003-05:00

Plaza de toros de Acho - Rimac 1986.

Registro de Herbert Rodriguez / http://controversiarte.blogspot.com/

Miguel Angel Coquis

2011-11-22T19:11:00.003-05:00

http://macoquis.caraldi.com/

Entrevista a Roberto Huarcaya en Agencia Peru

2011-11-22T11:04:00.004-05:00

Roberto Huarcaya (Lima 1959) estudió psicología en la Pontificia Universidad Católica; sin embargo, la gran pasión de su vida es y será el cine. La imagen siempre le interesó. Por eso, participó en algunos talleres sobre este tema en Perú hasta que partió a Madrid, donde estudió fotografía. Desde entonces ha participado en muchas exposiciones y bienales. Actualmente es director del Centro Fotográfico “El Ojo Ajeno”.
En esta oportunidad conversamos sobre su trabajo.

Entrevista Roxana Chirinos / Agencia Peru.com

Sección Cultural 2006.

¿Cómo nace el interés por la fotografía?
Nace como algo casual. Inicialmente me interesó más el cine. Estudié un año en el taller de Robles Godoy, en el Instituto Italiano de Cultura. Como no podía hacer cine porque en paralelo estaba estudiando psicología, ingresé a un taller de fotografía. La intención era seguir formándome en lo visual. Mi idea era aplicar lo estudiado en el cine. Es en el taller de la Araña, con Eduardo Gonzáles, que de alguna forma se me abrió el universo fotográfico en sí. A partir de allí me engancho. Un año después cierro el consultorio y me voy a Madrid, a estudiar fotografía.

¿Es doloroso tu proceso creativo?
Es una mezcla. Para mí es como un parto. Donde hay algo maravilloso que va creciendo contigo. Vas disfrutando el proceso. Ves cómo va adquiriendo cuerpo y consistencia, cómo va madurando y comienza a independizarse de uno, hasta que nace, es decir las expones… y te expones. Ahí me entra una especie de depresión post parto. Ya no me pertenece.

Hablando de tu trabajo. Cómo llegas a esa fuerte comunicación ¿planificas cada paso?
Tengo dos líneas de trabajo bien diferenciadas. Una, parte de un concepto. Es necesario un periodo de investigación: lecturas, textos, cosas paralelas trabajadas en otros medios. Es casi un bosquejo de la estructura de la propuesta. Después, hacer fotografía es concretar lo ya visualizado casi al cien por ciento. Esta es una forma de construir imagen. La otra es más espontánea. Las imágenes surgen más intuitivamente. Le doy un valor y libertad a esta intuición para que siga construyendo. No tomo mucha conciencia ni reflexiono mucho. Va creciendo por un periodo relativamente largo: un año, seis meses. Llega el momento. Lo asumo, lo analizo y trato de ordenarlo. Siempre al final encuentro que es una especie de anticipo del inconsciente que construye algo anticipándose a mi “Roberto conciente”. Como si hubiera dos formas de construir, y en ambas me siento cómodo. Se dan la mano y se nutren nuevamente.

Unos de los valores que tiene la fotografía es rescatar el instante. ¿Prescindes de eso?
En los términos en que está concebido por Cartier Breson, prescindo totalmente. No creo en el momento preciso, respeto la gente que trabaja eso, pero mi posición es claramente utilizar la cámara de una manera subjetiva. La imagen como ficción. Siempre. Mi forma se centra más en construir que en buscar. Construyo situaciones donde se me facilite cosas que me interesen. De repente ahí sí busco momentos. La diferencia es que parten de un manejo de control sobre la escena. Imágenes construidas como si fueran pintura.

Entonces, haces la literatura de tus fotos, creas historia…
Claro. Mis trabajos forman un grupo de imágenes. No hay imágenes sueltas con sentido unitario. Son estructuras que están enganchadas entre sí. El conjunto es el que le da sentido a la obra. La idea es que sea un cuerpo de trabajo. De un grupo mínimo de imágenes.

En los paneles de luz se nota un trabajo más complejo.
La composición se acerca más a una descripción, como por ejemplo pictórico o de narrativa literaria, en donde hay una historia al interior de cada macro escena. En fotografía sería muy difícil en términos analógicos construirla. En esa línea de trabajo planteo irme al fragmento, a unidades mucho menores que las asumo como parte de un todo. Son como un texto narrativo en donde se va asociando las partes. Estas se van haciendo cada vez más complejas y más complejas.

¿Prefieres la foto en blanco y negro o a color?
Creo que cada propuesta requiere su tono. A veces se potencia el trabajo en blanco y negro; otras el color. Depende. En mis trabajos más clásicos me interesa el registro en blanco y negro. Se concentra sobre el sujeto y no sobre la iconografía. En los trabajos más experimentales, el color se convierte en parte esencial de la propuesta. En término de experimentación para jugar. Hay algunos que crecen y se refuerzan con un tipo de trabajo y otros con el otro.

En tus fotos se nota rasgos de psicología.
Me formo como psicoterapeuta por un interés previo. Obviamente mi formación genera una lectura sesgada por ella misma. Tanto en términos temáticos como formales, aplico algunas teorías de la psicología que manejo y que son parte de mi formación. Me da parámetros y creencias con las cuales construyo.

La naturaleza y el paisaje no están entre tus preferidos
Me interesan las ciudades. No me iría a descansar a una playa. Prefiero las ciudades movidas donde haya cultura y gente

El tema de la muerte, las figuras fetales ¿están asociadas a algo?
Están asociadas a un temor. Al cambio constante, al proceso. Son fantasías mías, relacionadas en general al tiempo y en particular al tiempo sobre el ser humano. No miro la vejez como un deterioro y fin. Son los cambios constantes que generan cualquier cosa viva lo que me interesa. El envejecimiento, en términos de lectura no significa pena: me parece hermosa. Es una especie de toma de conciencia: rescatar o respetar lo viejo. Ya estamos más viejos que cuando empezamos la entrevista. En términos de la cultura occidental se rechaza mucho la muerte. Se la ve como fin absoluto. No lo vivo ni lo siento así. Estas transformaciones las interpreto de peso. Interesantes y sobre todo “disfrutables”. Placentero también.

¿Existe alguna relación de las fotografías sobre la muerte con las momias peruanas?
Definitivamente sí. Tanto físicamente y visualmente. Pero de ahí no he partido. Es otra la idea. Sobre las fotos de los carros hay personas que hacen la misma asociación. Me dicen que algunas se parecen a la apertura de un fardo. Probablemente a la hora de mi trabajo tenga teorías culturales peruanas que emergen. No creo que sean casuales. Tiene que ver también con la conservación del cuerpo y algún tipo de ritual con la muerte. Entonces en general sí tiene que ver un poco. Pero no puntualmente. En todo caso no hay una referencia directa.

¿Cómo ves la fotografía en el Perú?
La veo fortísima. Nuevas visiones y panoramas surgen de novedosos fotógrafos: La Rosa, Billi Hare, Javier Silva, Mariella Agois comienzan a sonar en términos de gente que tiene interés por la fotografía. En los Ochenta en la Universidad de Lima se da el primer Coloquio de Fotografía Peruana, donde un grupo de mi generación (Juan Enrique Bedoya, Flavia Gandolfo, Milagros de la Torre, Salcedo, Antonio Ramos, Luz maría Bedoya) nos conocemos. Es una especie de segunda ola, con una visión distinta al modernismo más tradicional del grupo anterior, donde resumen la fotografía como una herramienta sencillamente de ficción. La nuestra es exactamente más abstracta. Con intenciones globalizadas. Ahora hay un tercer o cuarto grupo de generaciones de jóvenes con mucha vitalidad y fuerza.

Cabo Blanco Fishing Club

2011-11-21T09:18:00.005-05:00

Photos: Frank Scherschel. Archivo Revista LIFE 1959.

España / Piedad Isla

2011-11-21T09:11:00.001-05:00

Max Pam

2011-11-19T11:00:00.003-05:00

http://www.maxpam.com/

Sudaca Fotos / Pisco

2011-11-19T10:41:00.003-05:00

Pisco Ica 10 2007 - Sudaca Fotos

Invisible Ph t grapher Asia

2011-11-19T08:14:00.000-05:00

http://invisiblephotographer.asia/

Los Rostros del Perú en Miraflores

2011-11-18T09:10:00.003-05:00

Una exposición fotográfica que muestra diversos personajes y situaciones que reflejan la diversidad cultural de nuestro país fue inaugurada el martes 8 de noviembre en el Parque Central de Miraflores por el alcalde de este distrito, Jorge Muñoz, y el Jefe Nacional del Registro Nacional de Identificación y Estado Civil (RENIEC), Jorge Yrivarren.

En las 59 fotografías expuestas hay rostros de peruanos anónimos y también de personalidades reconocidas como el pintor Víctor Humareda, el chef Gastón Acurio, la surfista Sofía Mulanovich, el poeta José Watanabe y el tenor Juan Diego Flórez. “Estos rostros nos permiten descubrir cuál es la identidad de los peruanos”, afirmó el Alcalde de Miraflores, al agradecer a RENIEC la organización de la muestra.

Por su parte, Yrivarren, destacó la importancia de reconocer la existencia de distintas culturas en nuestro país y de promover el diálogo entre ellas. “Desde el Estado intentamos promover la transculturalidad. Es decir, pasar de un escenario donde conviven culturas diversas, tolerándose, a una situación en la cual los miembros de una cultura pueden aprovechar los beneficios que ofrece otra cultura y viceversa”, añadió.

La producción audiovisual y museística de la exposición fotográfica estuvo a cargo de “Ojos Propios” y las imágenes han sido captadas por 25 artistas: Martín Alvarado, Malú Cabellos, Gonzalo Cáceres, Ángel Colunge, Lisette Crespo, Ademir Espíritu, Javier Ferrand, Roberto Guerrero, Morfi Jiménez, Thomas Mueller, Mónica Newton, Luis Noguera, Renzo Núñez Melgar, Alberto Orbegoso, Daniel Pajuelo, Martín Pauca, Susana Pastor, Pilar Pedraza, Herman Schwarz, Javier Silva, Paul Vallejos, Víctor Ch. Vargas, Martha Woodman, Javier Zapata y el Colectivo Fotográfico LimaFotoLibre.

La muestra permanecerá hasta el 21 de noviembre y el ingreso es libre.

strange.rs

2011-11-17T09:35:00.001-05:00

http://www.strange.rs/

Ficciones Asiáticas

2011-11-16T22:29:00.005-05:00

El Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica, Fundación BBVA Banco Continental, AFP Horizonte, Petrobras y GETXOPHOTO presentan, del 16 de noviembre 2011 al 29 de enero de 2012, la exposición fotográfica FICCIONES ASIÁTICAS.

Esta muestra reúne por primera vez en el Perú a once grandes artistas de la fotografía asiática cuyas obras ilustran la efervescencia creativa que está teniendo lugar en China, Japón, Taiwán y Corea del Sur. FICCIONES ASIÁTICAS es una exposición creada por el festival de fotografía español GETXOPHOTO y que ha sido adaptada especialmente para su exhibición en el Centro Cultural PUCP.

Cabe resaltar, que para este gran evento nos visitan dos artistas fotográficos taiwaneses, Wu Tien Chang y Shen Chao Liang y el destacado curador español, Alejandro Castellote.

Sobre la exposición
La llegada de la fotografía al panorama del arte contemporáneo asiático es un fenómeno relativamente reciente. Esta expresión, abordada por diversos artistas, aporta creaciones cercanas a la personalidad de la propia cultura asiática o reflexiona sobre el imparable mestizaje del imaginario colectivo. Para muchos fotógrafos de esta región, el realismo documental es sinónimo de fotografía antigua y la puesta en escena o la experimentación los proyecta de lleno en la estética de la contemporaneidad, donde la realidad es sólo una experiencia individual, fragmentada e inestable.

En palabras del curador Alejandro Castellote: “A pesar de las muchas diferencias que los separan, es posible establecer en la ficción y la experimentación un hilo conductor común al conjunto de los países presentes en esta muestra. En las dos últimas décadas han surgido artistas que se inspiran en la peformance, la puesta en escena, las instalaciones, el video y otros lenguajes multimedia para generar una obra donde la realidad es sustituida por la construcción de universos personales. En esas obras abundan las recreaciones de historias relacionadas con los cambios sociales y culturales que han tenido lugar los últimos años. La posmodernidad, la reivindicación de una espiritualidad más cercana a la filosofía y las religiones asiáticas, la relación con la naturaleza o las miradas críticas sobre la globalización son algunos de los temas que abordan los artistas”.

Ficciones Asiáticas
Del 16 noviembre de 2011 al 29 de enero de 2012
Galería Centro Cultural PUCP
Av. Camino Real 1075 San Isidro
Horario: de lunes a domingo de 10 am a 10 pm.
Ingreso libre

http://www.centroculturalpucp.com/galeria/ficciones-asiaticas.html